摄影从心 一名摄影爱好者的心路历程

    杨嘉伟：曾在亚信中国、博兰德维&罗格士品牌顾问设计等任职，现任普元软件市场总监,有超过18年的品牌与营销管理经验，2004年左右开始接触摄影，一路走来，零散拍片，全凭喜欢，并一直在体悟学习。Lofter主页：yangjiawei.lofter.com ；微信：yangjiawei1210；微博：weibo.com/jiawei。（注：该文章以及图片版权归杨嘉伟所有，未经允许请勿转载。）

太仆寺旗塬上 

　　拍照是人人可为的行为，但当把拍照植入拍者的观念时，我就认为是摄影。这和艺术的本源是一致的。

摄影最后一定要解决的问题也是表达

　　艺术是为了表达，摄影最后一定要解决的问题也是表达。摄影技术是术，摄影思想才是道。以道御术——这应该成为一个摄影爱好者的进化阶梯。摄影的背后是摄影师的观念——用摄影去表达什么，我认为那是摄影的终极。

我在拍，也在感悟摄影

　　就我个人而言，我在拍，也在感悟摄影。从时间轴上来看，对摄影的理解，大概经历了这么几个进化阶段：技术至上——分离拍摄“对象”——寻找对象间的“关系”——从观念和哲学出发。

    此为漫谈，重在分享个人感受，请大家批评指正。

·技术至上

　　大概10年前，一个爱好摄影的朋友引导我入了摄影殿堂。自此入了魔障。自己的第一台机子是尼康的F65胶片机，刚买下机子的时候，摄影热情高涨，在曝光黄金三角都不怎么明白的情况下，拼感觉胡拍一气。

构图的感觉

　　但因为对艺术从小热爱，经常看大量的摄影和绘画作品，对构图的感觉，我自觉是天然在的。模仿——这时候是最经常做的事。时尚杂志的影调大片也会带来灵感，但技术明显不纯熟，想到了，却未必能表现出来。那会还是胶片为王时代，先玩彩色，后玩黑白，再玩反转，甚至为更好的展示反转片效果，还自购了一台莱卡的幻灯片播放机。

一千零一个塞罕坝

　　大概是2003年，夏初，和几个朋友去了趟塞罕坝。那片美丽的草原极大地激发了当时的我的“创作”热情。一道的朋友大家一起拍，玩完了回来我写了篇《一千零一个塞罕坝》，和朋友一道开“坝上赏片大会”，我请来了我的朋友，《时尚》杂志的御用商业摄影师周涛当评委来点评。摄影带来的分享乐趣，就在于此。

一千零一个塞罕坝

　　这时期，自己的焦点集中在对机器的熟练掌握，及摄影原理的学习上。《美国摄影教程》 是我这时期真正的导师，这本经典教材对于任何初学摄影的人来说都是佳酿。2003年版本，上下两卷，通读了它。对技术至上的理解，越学到最后，会越回归简单。曝光、快门、ISO三角关系的组合，值得很长时间在摄影实践中去体味。

一千零一个塞罕坝

　　经常看摄影杂志上优秀的作品，并默记它们的参数组合。一开始会觉得很复杂，因为不同的片子，参数变化和组合太多，会有入了森林后找不着北之感。但熟练后，基本在意识中会分类，如早晨、日落、舞台、风光、人像等场景，可总结些常用的组合。

一千零一个塞罕坝

　　由于经常出去开车玩，会拍些风光片子。偶然关注到赵琳老师的作品，他的风光大片对我启示很大，经常是极小的光圈，极长的曝光时间，从而在静默的风景大片中创造出一种诗意。对摄影技术的掌握，会是持续一辈子去体味的事，每个阶段，都会有不同的思考，这个没有尽头。

·分离拍摄“对象”

　　一次偶然的机会，关注到著名摄影师吕小川的微信订阅号。小川老师一席话，如醍醐灌顶，开放了我的摄影观。他说，摄影是方寸间的艺术，就取景框那么大。当你理解摄影主体时，应该去分割空间，床是床，窗是窗，不再是肉眼所见房间。

分割空间 分离对象

　　一个场景入镜需要光线，人物，道具等条件配合。想象你所想拍的画面，设计它的情绪。“分割空间，分离对象”这个观念对我影响大。以往认知方寸艺术，是从摄影胶片大小理解的，认为更多是指36*24mm尺幅维度。但吕小川更强调在设计拍摄场景时，就要把场景当“方寸”来看，把对象分离来观察。

分割空间 分离对象

　　由此也就有了外景内拍，大自然就是一个影棚这种认识。这个观念，打开了我的摄影视觉。我再观察拍摄对象时，往往训练自己有意识地将眼中所见画面中的对象分离，光线是光线，花是花，人是人，影子是影子。

空间里的人

　　分离去看的好处在于，你可以去寻找它们间的关系，在意识中设计你要的画面，并寻求用它们间某种关系的组合。如果一个空间场景很好，那拍出来仅仅是建筑空间。但如果这个空间感很好的场景中，有了人或者光，也许就会变成一张耐人寻味的作品。这时候，这种训练会让你意识到——你需要等待。等待光，或者某个客体进入，它们的出席，才让一张作品有了气息。

空间场景很重要

　　我现在很欣赏一些极简主义的作品。这类作品中，其实就是把大量的“空间”作为一种对象置入了。极简主义讲究从物质本原出发，减少过度的形式表现，减少过多作者的主观意识，开放作品概念上的意向空间，让观者参与对作品的构建。

空间场景很重要

　　我见识过吕小川老师如何玩转“方寸空间，分离对象”的技巧。他有套优秀的人像作品就是在很普通的楼道中，借着光线和模特姿态的变化中拍出的。如果对“方寸空间，分离对象”的概念不明所以，你很难想象那组片子是在那么简陋的环境中拍出的。

　　以往，我会认为，拍出好的人像必须要有好的场景。现在，我则认为，只需有方寸间的场景，就有拍出好作品的可能性。

·寻找对象间的“关系”

　　人的思想对世界的认知，具有一致性。我们对世界的理解，对于一个热爱摄影的人来说，在熟悉了摄影技巧后，最终会通过摄影作品表达出来。2010年左右，我有幸接触到了“知见心理学”，并进而打开这扇大门，读到了一本对我影响极大的书——艾克哈特·托特的《新世界》。

　　这里面有一个重要的观念——空间。托特说，当我们仰望无云星空，我们马上会领悟到一个简单却深远的真理。我们看到了什么——月亮，星球，或明亮的银河系。是的，但当我们进一步简化的观察，我们就会看到——空间。各种物体都是在空间中漂浮。宇宙包括了什么？物体和空间。

越野骑士

　　他说，我们从来都是在观察物体，而对空间无所觉察。但事实上，宇宙的双重实相是物体和空间。因空间使得所有事物得以存在，就如没有静寂就没有声音。

　　这个观念对我的冲击极大。我第一次意识到了空间才是我们世界的本质，物体仅仅是填充其中的实相。没有物体，空间照样存在。空间也是世界的一种态。

空间也是世界的一种态

　　吕小川讲到要分离空间，床是床，窗是窗，其本质也是对空间的尊重和再认识。只有有了空间意识，我们才能更好地将所见之物分离为一个个对象。这些所见之物，对于摄影来说，包括——光、摄影主体、影子……等等，从而意识到摄影的本质是一种对“对象”间关系的处理。

人像中的情绪

　　对于摄影来说，比如，恒定的关系是光线与对象的关系，而人像多是情绪、姿态与光线的关系。风光多是色彩、前中后对象与光线的关系；环境人像则是环境、人与光线的关系。“关系”可以是协调的、有趣的、也可以是冲突的、超越日常视角的。不同寻常的视角，捕获出乎意料的“关系”，加上光，就可能是好的作品。

视角的“关系”

　　我认为这种视角应该被训练出来。一般拍者，只见摄影主体，对“关系”往往视而不见。由此，所拍照片也就较为平常。只有形成了某种关系的主体才容易创造出激动人心的画面。有人说，基本功+出人意料，就是好作品。我从对摄影对象的“关系”角度理解这句话，就是——以精湛的摄影技术，去表现出人意料的“关系”。

·从观念/哲学展开

　　我一直认为，艺术是艺术家的主观创作，是艺术家个体对世界的思考与观察。从这个角度理解，其实，艺术是非常自我的。但也正因为它的自我，艺术家的作品才有独特性。伟大的艺术家往往会通过作品构建一个自我的世界。立体派将三维的世界用二维手法表现；印象派则忽视了真实世界的色彩，只画出艺术家自己心中的色彩。

真实世界的色彩

　　对于艺术，自我感应该是一种很宝贵的东西。如果一个艺术家失去了自我感，不知道尊重自己所见所思，一味寻求客观写实，那就像一个老年痴呆症患者。自我感是用来指引作品旅程的生命线。没有它，经验就只是一个感知的万花筒而已，跟做梦差不多（康德语）。

真实世界的色彩

　　著名的摄影评论家安妮维拉说过一句话，最优秀的人像艺术会力求引领观者进入被摄主体的内在自我，为观者推开一面通向灵魂的视窗。我认为，对于一个喜欢摄影的人来讲，随着摄影技术的纯熟，上升到基于自我感的观念和哲学思考的创作是必然的路。

　　这其实也是回归了摄影作为艺术创造的本源。有力量的摄影最终会是在观念/哲学指导下的创作，它表达的是一种主张，是摄者对世界的自我思考和认识，它能引发或强化人们的思考，从而忠实地履行摄影也是一种艺术的初衷。

生产力的表现

　　比如摄影家解海龙的《我要上学》那张作品，当年还是小孩的苏明娟张着大眼睛，渴望读书，这曾牵动多少人的心。希望工程在中国今天的效应，我相信与这张片子对人们的激发有着极大渊源。

感染人的力量

　　在这个意义上讲，伟大的摄影作品应该是一种生产力的表现，它自身会散发足以感染人的力量，从而促动社会进步。日本著名摄影大师山本博司说过，从观念和哲学展现，同时辅以无比精准的技术，才能诞生卓越的摄影作品。

　　作为热爱摄影的人，让我们一起在这条道路上探索，进化。